• GROUP SHOW a cura di Nicola Samorì

Artisti in mostra: Pierpaolo Campanini, Chiara Lecca, Enrico Minguzzi, Mattia Moreni, Nicola Samorì

La galleria Monitor è lieta di aprire la stagione espositiva della sua sede di Pereto con la mostra dal titolo Senza Figura, in cui l’artista Nicola Samorì (Forlì, 1977)  ricopre la doppia veste di pittore e di curatore, mettendo insieme 5 artisti a lui vicini per ricerca, dialogo e condivisione di esperienze.

Chiara Lecca (Modigliana, 1977), Enrico Minguzzi (Cotignola, 1981), Pierpaolo Campanini (Cento, 1964) e Mattia Moreni (Pavia 1920 – Brisighella 1999) prendono di petto la natura, mettendosi di fronte a essa in un confronto tutt’altro che pacificato e fluido, interessati piuttosto alla sua ambiguità, alle sue implicazioni semantiche, alle distorsioni delle forme che si compiono in bilico tra contemplazione e colluttazione. Senza Figura è anche una auto-censura, una raccolta di dipinti e sculture che escludono la presenza del corpo, la tematica più ricorrente nell’opera di Nicola Samorì.

La via dell’in-naturale è aperta in mostra, cronologicamente, da un dipinto di Mattia Moreni del 1970, L’agonia dell’anguria allunata su pelliccia, una delle sue celebri non-angurie dove il corpo del frutto è sfregiato da una spaccatura, evocazione di quel sesso femminile che diverrà poi assoluto protagonista nelle sue rappresentazioni immediatamente successive.

Questa ambiguità semantica attraversa tutte le opere in mostra, dove il rapporto col naturale non è mai didascalico. In Pierpaolo Campanini il confronto quotidiano e ostinato con un brandello di natura sfocia in una sorta di trasfigurazione del fogliame, bruciato da bagliori che nella pittura di Enrico Minguzzi diventano resine fluorescenti che accolgono una natura in forma di pura espulsione mentale, privata di ogni sostegno alla gruccia del realismo. In Chiara Lecca la presenza del frammento animale sconfina otticamente in altri regni: le bolle alabastrine che si gonfiano come le angurie di Moreni sono in realtà vesciche animali, così come i fiori recisi sono orecchie di coniglio tassidermizzate. Fiori falsi, come quelli ritratti da Samorì nell’olio su Breccia di Vendôme secondo natura, poiché non sono stati dipinti, bensì come “trovati” sulla pietra e costretti a prendere forma attraverso l’assedio del colore che ne minaccia i perimetri rivelandoli al contempo.

Si sa come la natura si piega trasformandosi nello svolgimento delle necessità.

                                                                                                                              Mattia Moreni

• DOUBLE SHOW Chiara Lecca | Nicola Samorì a cura di Sabrina Samorì

Ex chiesa di San Rocco, Modigliana FC
// Nell’anno 1300 Dante si smarrisce in una selva oscura dove incontra belve feroci e, scortato dall’anima del poeta Virgilio, viene condotto attraverso i tre regni dell’Oltretomba in un viaggio allegorico e ultraterreno che illustra la condizione delle anime post mortem. Rompendo i confini della vita normale attraverso una aperta stratificazioni di significati, che con forza di convinzione ed energia visionaria tocca le sorgenti delle nostre emozioni, la Divina Commedia si fa specchio narrativo del potere metaforico della fantasia del sommo poeta nel rivestire di realtà un mondo immaginario. Trasfigurando leggende popolari, superstizioni e visioni, Dante ci colpisce con forza e ci mette dinnanzi a una sorta di tribunale di giustizia normato dalla simmetria del contrappasso attraverso l’uso di immagini visive ricche di plasticità.

Queste le premesse che hanno definito Selva molle, una mostra che vede il dialogo tra le opere di Chiara Lecca e Nicola Samorì e che si configura come una labirintica discesa agli inferi che porta ad una nuova nascita materica. Come un “mito guida”, nell’ombra della Seicentesca Chiesa sconsacrata di San Rocco, Dante assume il ruolo di Virgilio e ci conduce idealmente in un percorso espositivo che scardina i confini tra sacro e profano e dove le stratificazioni materiche si riversano in forme estreme e contorte. Le opere in mostra celano simboli e archetipi universali che a loro volta racchiudono molteplici e differenti significati. L’alchimia e la manipolazione della materia, caricano le opere di nuovo contenuto: forme che si dibattono per poi riemergere trasfigurate. E’ proprio nell’attenta osservazione di questa metamorfosi materica che ci si deve interrogare per vedere oltre l’immagine e la forma. Questa capacità della materia di esprimere compiutamente i concetti di “naturalità”, memoria e origine, la si ritrova nell’impiego che Chiara Lecca e Nicola Samorì fanno dei materiali trattati come matrici e radici che agiscono sulla nostra capacità di percepire le forme attingendo a una primordiale dimensione istintuale.

L’Accademia degli Incamminati presenta, da domenica 4 luglio a domenica 5 settembre, la mostra
SELVA MOLLE di Chiara Lecca e Nicola Samorì a cura di Sabrina Samorì negli spazi dell’ex chiesa di San Rocco a Modigliana (Forlì – Cesena).
La mostra è realizzata in collaborazione con il Comune di Modigliana nell’ambito del Festival dei Sentieri Agrourbani e grazie al sostegno di Fondazione Cassa di Risparmio di Forlì.
E’ parte degli eventi collaterali alla mostra “Dante. La visione dell’Arte” in programma presso i Musei San Domenico Forlì.

• GROUP SHOW curated by Demetrio Paparoni

The 16th edition of Vestfossen KunstLaboratorium, at approximately one hour train from Oslo, will be inaugurated on 5th May, at 1:30 p.m. Curated by Demetrio Paparoni, the international exposition ‘Contemporary Chaos’ will present over 60 artists.

The show wants to emphasise the multiplying of artistic driving forces by focusing theattention on artists coming from all over the world, including areas which once were considered absolutely peripheral. The opening of new markets and the effects of the digital revolution have progressively brought about such an amount of information on art issues and events deemed important, while being often just ephemeral, to thwart every attempt of critical-theoretical grouping.

The linguistic chaos deriving from the language superimposition is thus a phenomenon going beyond the overcoming of movements and trends recorded since the Eighties of the 20th century.

Contemporary Chaos includes paintings, photographs, videos, performances and great installations. Starting from the premise that finding a unitary tissue in the scene of contemporary art would be absurd both in the West and in the East, the exhibition denies the existence of global linguistic models.

Differently from what happened with Modernism, present-day art doesn’t plan the future but analyses the present, focusing on the “here and

now.” In the intricacy of languages that Contemporary Chaos takes into account along the four floors of the huge building which was once a cellulose production plant, the remarkable presence of painting, usually marginalised in great international exhibitions, has a great

significance beside videos, photos, sculptures and installations.

As Paparoni writes in the catalogue: “Art has not operated in the realm of language for several decades. Its goal is the reflection on the present, on how and why society has assumed its present connotations. This explains the many works that present contaminations with

photojournalism, the many references to the history of art and the narrative-symbolic turning point of painting. […] Many artworks created in the new millennium tend to accommodate narratives that do not transcend reality, while at the same time amplifying the symbolic system.

In cases in which, in contrast with the so-called global culture, contemporary narrative traces the work back to the author’s history and place in the world, the symbolicdimension extends its meaning universally.”

• GROUP SHOW curated by Alexander Gronert

The title of a postcard multiple by Joseph Beuys Lasst Blumen sprechen (Say it with flowers), and his Rose fur direkte Demokratie (Rose for direct democracy) were impulses behind the decision of the Museum Schloss Moyland to expolre the questions of the meaning, impact and relevance of flowers in artfrom 1960s to today.

The exhibition Say it with flowers! Flowers and artificial nature since 1960 stands for the consistent focus of the Museum Schloss Moyland, as has been the case for some time now, on the core areas of art, nature, and Beuys and their multi-layered interconnections. The project is thus another step on the path towards a clear national and international profile for the Museum Schloss Moyland.

• SOLO SHOW curated by Elisabetta Pozzetti

The exhibition originates aiming to create a synergy between the Kassel province and Italy.

Supported by the Museum of Natural History – Ottoneum, the Landkreis Kassel and the Kasseler Sparkasse, the exhibition is curated by Elisabetta Pozzetti

Chiara Lecca has designed a structured path of contamination and dissemination across the museum halls, where several of her artworks interact with the permanent visual displays stimulating new senses and meanings.

The exhibition consists of works dated between 2008 and 2015, allowing an organic overview of the artist’s evolution. From Moths and butterflies (2008) to Peli superflui (2009), Ovo, Bowels (2010), Ovogenesi and Phasianis (2012), up to the series of Fake Marble and Bigbigbubble and the works prepared expressly for the German exhibition.

A wide array of materials is employed, yet all are connected by the same necessity: rebuild the relation between mankind and nature, dismantling those preconceptions and false beliefs – often generated by fear of diversity – that keep us in a deep contrast with the world we all belong to.

In the exhibition is also exposed the work Forma (Bitu), 2015, sprung from the special collaboration of Chiara Lecca with Jannis Kounellis. The work was devised after an intense discussion among the artist and master on the interconnections between food, art and survival.

• MOSTRA PERSONALE a cura di Elisabetta Pozzetti

La mostra nasce col desiderio di creare una sinergia tra la contea di Kassel e l’Italia.

Patrocinata dal Museo di Storia Naturale – Ottoneum, dalla contea di Kassel e dalla Kasseler Sparkasse, è a cura di Elisabetta Pozzetti

Chiara Lecca contamina e dissemina un numero cospicuo di opere capaci di dialogare con gli allestimenti permanenti del museo, in un percorso strutturato evocatore di stimoli e rimandi.

L’esposizione, consta di opere realizzate in un lasso temporale che spazia dal 2008 al 2015, permettendo una visione organica dell’evoluzione della produzione dell’artista. Dalle Moths and Butterflies del 2008, ai Peli Superflui del 2009, all’Ovo, Bowels del 2010, Ovogenesi e Phasianis del 2012, fino alla serie dei Fake Marbles e Bigbigbubble e alle opere realizzate appositamente per la mostra tedesca.

La varietà dei materiali utilizzati è accomunata dalla medesima esigenza: rimettere in relazione l’uomo con l’elemento naturale, scardinando quei pregiudizi, spesso generati dalla paura del diverso, che ci pongono in antitesi col mondo da quale paradossalmente tutti noi veniamo.

All’interno della mostra è esposta anche l’opera Forma (Bitu), 2015, scaturita dalla collaborazione straordinaria di Chiara Lecca con Jannis Kounellis. L’opera è stata concepita in seguito ad un intenso scambio dialettico tra l’artista e il maestro sulle interconnessioni tra cibo, arte e sopravvivenza.

• GROUP SHOW curated by Martina Mazzotta and Lavinia Galli

The exhibition explores the relationships between art, nature and wonder through the phenomenon of the Wunderkammer, notes “Chambers of Wonder” by late Renaissance.

The exhibition is quite distant from the traditional icon-logic perspective; it crosses different situations and moments of the history of art, collectors, science, philosophy, with an interdisciplinary approach that starts from the sixteenth century and comes up to the contemporary. Twentieth century art, in fact, and specifically the art of certain avant-garde, has regained a system of wonder that the advent of modern science had removed. Juxtaposing to works and artifacts belonging to the sixth-seventeenth century contemporary art presences, the exhibition aims to stimulate the viewer to trace analogies, references and correspondences between the meanings involved in the multifaceted and complex phenomenon of the Wunderkammer.

Many artists in the exhibition including Gianfranco Baruchello, Maurizio Cattelan, Damien Hirst, Jannis Kounellis, Piero Manzoni, Mario Merz, Pino Pascali.

• MOSTRA COLLETTIVA a cura di Martina Mazzotta e Lavinia Galli

La mostra indaga i rapporti tra arte, natura e meraviglia attraverso il fenomeno delle Wunderkammer, le note “camere delle meraviglie” di epoca tardorinascimentale.

L’esposizione prescinde da una prospettiva iconologica tradizionale, per attraversare diverse situazioni e momenti della storia dell’arte, del collezionismo, della scienza, della filosofia, con un approccio transdisciplinare che parte dal Cinquecento e arriva fino alla contemporaneità. L’arte del XX secolo infatti, e nello specifico l’arte di certe avanguardie, si è riappropriata di un sistema della meraviglia che l’avvento della scienza moderna aveva rimosso. Accostando a opere e manufatti cinque-seicenteschi presenze dell’arte contemporanea, la mostra intende stimolare l’osservatore a rintracciare analogie, rimandi e corrispondenze tra i significati implicati nel multiforme e complesso fenomeno delle Wunderkammer.

Numerosi gli artisti in mostra tra cui Gianfranco Baruchello, Maurizio Cattelan, Damien Hirst, Jannis Kounellis, Piero Manzoni, Mario Merz, Pino Pascali.

• GROUP SHOW curated by Martina Cavallarin

Round the Clock is a project that stems from two complementary and intersecting needs: the incessant, obsessive and always open extension to questions and concerns related to contemporary art, and the need to live and coexist with a new humanism consisting of a greater sensibility towards places we live and a recovered respect towards the resources and energies of the planet.

Round the Clock puts in dialogue art and sustainable ecosystems through a choral exhibition created by international artists who, through the power and energy inquiring of their works, belt paths and crossing attempts. Packaging, assembly and reuse are part of the process investigated by the artist from an intellectual point of view as basis for an organic and progressive reflection.

Round the Clock è un progetto che parte da due necessita complementari e intersecanti ovvero l’estensione incessante, ossessiva e sempre aperta a domande e dubbi dell’arte contemporanea e il bisogno di abitare e convivere con un nuovo umanesimo costituito da una maggiore sensibilità verso i luoghi che abitiamo e un rispetto da recuperare verso le risorse e le energie del pianeta.

Round the Clock pone in dialogo arte ed ecosistemi sostenibili attraverso un’esposizione corale realizzata da artisti internazionali che, mediante la forza energetica ed indagatrice delle loro opere, allacciano percorsi e attraversano tentativi. Imballaggi, assemblaggi e riutilizzo sono parte del processo indagato dall’artista dal punto di vista intellettuale come base per una riflessione organica e progressiva.